Шедевры классической музыки.
К своему стыду, раньше не слышал это произведение. Но буквально пару дней назад был в консерватории. И услышал этот шедевр.
Зрителей Омской филармонии закидали теннисными шариками со сцены
Можете представить себе зал ликующих зрителей, радующихся, потому что в них чем-то запустили со сцены? На каком-нибудь рок-концерте - да, где словивший кураж солист кидает публике незамысловатый предмет одежды, от которого не жалко избавиться. А если я скажу вам, что эта ликующая толпа сидит в зале приличной филармонии, поверите?
31 марта Омская филармония поставила красивую точку в VI Фестивале Новой музыки. Омичи увидели неординарный концерт под названием "Рикошет", и там было всё: тарелки, бутылки, бокалы в качестве музыкальных инструментов, летящие в зрителей теннисные шарики, собственно, и сам настольный теннис. Да, прямо на сцене. Но обо всём по порядку.
Концерт, ведомый твёрдой рукой главного дирижёра омского симфонического оркестра (и он там тоже был) Дмитрия Васильева побаловал омичей двумя российскими и двумя мировыми премьерами.
Григорий Зайцев. Fractured and again или "Мир сломанных вещей" (2020, мировая премьера).
Беньямин Юсупов. "Образы души", концерт для двух кларнетов (2010, российская премьера).
Гай Бакос. Game. Set and Match, для фортепиано с оркестром (2020, мировая премьера).
Энди Акихо. Ricochet, концерт для пинг-понга с оркестром (2017, российская премьера).
Особый интерес представляет второе отделение концерта, на котором омичи услышали произведения, посвящённые настольному теннису. Пьеса композитора Гая Бакоса требует серьёзной технической подготовки и для оркестра, и для солирующего пианиста. Сама же музыка очень наглядно отображает все перипетии теннисного матча: скорость, концентрацию, динамичность.
Именно во втором отделении на сцене появился стол для пинг-понга и некоторые необычные "инструменты": бутылки, тарелки, металлические палки. Припасли же их для самого главного…
Так, изюминкой вечера стало исполнение концерта для пинг-понга с оркестром авторства американца Энди Акихо. Именно во время проигрыша этого произведения на сцене появились спортсмены Федерации настольного тенниса, которые в такт композиции стали пасовать друг другу теннисные шарики, чеканить ими о большой барабан, отбивать мячи бубнами и бокалами, а потом и вовсе начали запускать шарики в зрителей. Те в свою очередь сдержать восторг не смогли - зал разразился громкими аплодисментами.
С финальными аккордами солисты оркестра эпично опрокинули корзинку с шариками для пинг-понга, и те полетели в первые ряды.
Что ж, Омской филармонии не первый год удаётся удивлять своих слушателей неординарными перформансами. Вспомним хотя бы, как вместе с оркестром на сцене учреждения "выступали" настоящие автомобили. Или как во время исполнения симфонии Александра Мосолова "Завод" барабанщик филармонии Сергей Майер изображал эпатажного жестянщика, исполняющего партию на листе железа.
Рекомендуем к просмотру трансляцию концерта. Кстати, посмотреть, как пуляют шариками в зрителей можно на 1 часе 54 минуте.
16 декабря 1770 г. - День рождения Людвига ван Бетховена
Как зародился зомби-кинематограф. Великий Джордж Ромеро
Любители зомби-жанра знают имя Джорджа Ромеро. Благодаря его фильмам живые мертвецы обрели популярность и стали частью нашей культуры. При этом Ромеро, как режиссёр, снял не так много зомби-фильмов — всего шесть. Зато отражение этих шести фильмов можно обнаружить в современных играх и даже в опере. Давайте вспомним, что это за фильмы и посмотрим, чем они интересны. И на оперу тоже взглянем.
Ночь живых мертвецов — 1968 год
Если вы читали роман с одноимённым названием и думаете, что именно по нему Ромеро и снял первый фильм, то нет, этот роман — новеллизация и вышел он уже после фильма. Автор новеллизации — Джон Руссо, напарник Ромеро по сценарию. Удивительно, но спустя пятьдесят лет после фильма, писатели всё ещё предлагают новые версии новеллизации. Например, в 2016 году свою версию предложил американский писатель и режиссёр Шон Эбли. Эбли сделал попытку раскрыть глубже личности оживших мертвецов — это не монстры, это бывшие соседи и знакомые, у них есть имена.
Но вернёмся к фильму. «Ночь живых мертвецов» — фильм чёрно-белый. Но его несколько раз раскрашивали, последний раз в 2004 году. Эта колоризация была признана специалистами удачной, а в 2009 году фильм перевели в 3D и заново прокатили в кинотеатрах.
В современных фильмах фантазия художников ничем не ограничена и зомби выглядят по-настоящему ужасно за счёт крутого грима. Джордж Ромеро работал с ограниченным бюджетом, его фильм обошёлся всего лишь в $114 000. По сегодняшним меркам, с учётом инфляции, это меньше миллиона долларов — микроскопически смехотворно для кинематографа.
Так что все зомби в этом фильме носят минимум грима, с точки зрения кино это можно объяснить так — покойники умерли совсем недавно. Удивительно, но если смотреть на этих зомби сегодня, то такой минималистичный грим выглядит по-своему страшно — современный зритель отвык от зомби, которые похожи на людей, поэтому такие ходячие мертвецы пугают.
Кстати, сам Ромеро в этом фильме не называет ходячих мертвецов «зомби». Он употребляет слово ghoul. Режиссёр вдохновлялся романом «Я — легенда», который впоследствии обретёт самостоятельную экранизацию.
Что представляет собой фильм «Ночь живых мертвецов»? Это довольно компактно снятый ужастик, в котором большую часть времени показывают вовсе не мертвецов, а людей. Люди баррикадируются в доме, конфликтуют и пытаются отбиться от чудовищ, лезущих через заколоченные окна и двери. Никто не понимает что происходит, а по телевизору во всём обвиняют космическую радиацию.
Зомби здесь медленные, они берут количеством. Интересно, что Зак Снайдер в своём новом зомби-фильме «Армия мертвецов» выведет эволюционировавший тип зомби, с ними даже можно вести переговоры. В 1968 году мертвецы ничего не соображают, говорить с ними не о чем, зато они повсюду.
Концовка фильма не внушает никакого оптимизма. И если в современных зомби-фильмах, в частности в корейском «Поезде на Пусан», выжившим удаётся спастись, то Джордж Ромеро рисует безрадостную картину зомби-апокалипсиса — главному герою, которому зритель сопереживал весь фильм, сильно не везёт в последние минуты.
Любопытно, как сложилась карьера актёра, который сыграл самого первого зомби с кладбища. Его звали Уильям Хинцман и это была его первая роль в кино. После чего Хинцман играл и в других зомби-фильмах, а в 1988 году снял свой вариант «Ночи живых мертвецов» под названием «Пожиратель плоти», где опять же сыграл одного из зомби.
К сожалению, фильм получился неудачным, заработал низкие оценки и представляет интерес только для фанатов зомби-кинематографа, да и то, лишь исследовательский.
В 1990 году вышел ремейк фильма Ромеро, который назывался точно так же — «Ночь живых мертвецов». Снял фильм режиссёр Том Савини, а в продюсерах были всё те же Джордж Ромеро и Джон Руссо.
Это кино повторяет сюжет оригинального фильма и зрители приняли его хорошо. Фанаты зомби-кинематографа оказались не прочь ещё раз посмотреть на то, как группа людей забаррикадируется в доме.
Но на этом ремейки не закончились. В 2006 году вышел ещё один фильм режиссёра Джеффа Бродстрита. Эта версия «Мертвецов» сразу конструировалась для показа в 3D. Интересно, что в самом начале фильма создатели делают отсылку к самому первому фильму — зритель видит чёрно-белые кадры оригинального фильма, потом камера отъезжает и оказывается, что это всего лишь старый телевизор.
Зрители приняли фильм слабо, собрал он плохо и сразу оказался на обочине зомби-истории. Как оказалось, грань между хорошим и плохим зомби-фильмом очень тонкая и даже по одному и тому же сценарию можно снять как хорошее, так и плохое кино, а зритель не дурак — и давно уже не ходит в кино на всё подряд.
Удивительно, но по фильму «Ночь живых мертвецов» поставили оперу, которая точь-в-точь повторяет сюжет фильма. Кто сказал, что зомби не могут бродить по сцене оперного театра?
Причём идею подал тот самый первый зомби Уильям Хинцман. В опере есть хор из зомби, а большая часть диалогов взята из оригинального фильма. Проект получил одобрение Джорджа Ромеро и композитор Тодд Гудман представил оперу в 2013 году. На спектакль пришли даже те люди, которые ненавидят оперу, но зато любят зомби. Возможно, Уильям Хинцман тоже мог бы заполучить роль, но к сожалению, он не дожил до премьеры. Зато он навсегда останется в памяти зрителей как самый первый настоящий зомби.
Фильм «Ночь живых мертвецов» стал частью современной культуры, отсылки к нему не прекращаются ни в музыке, ни в кинематографе. И даже спустя 50 лет, оригинальный фильм Джорджа Ромеро всё так же отлично смотрится.
В следующей части мы поговорим про «Рассвет мертвецов» — ещё более культовый фильм Ромеро и попробуем разобраться, насколько хорошо получилось у Зака Снайдера и Джеймса Ганна переснять зомби-классику и что они смогли улучшить, а что не получилось.
Слежу за новинками кино в телеграм канале
Города едят друг друга. История несостоявшейся кинофраншизы Питера Джексона. «Хроники хищных городов»
Представьте себе мир, в котором по планете ездят огромные города на колёсах. Большие платформы, похожие на танки-мутанты. Они усыпаны домами, в них живут тысячи жителей.
Напоминает бред? А вот Питеру Джексону так не показалось. Ещё в 2009 году он купил права на серию книг британского писателя Филипа Рива «Смертные машины» (Mortal Engines).
Что же придумал Филип Рив? Он создал мир будущего, в котором действует муниципальный дарвинизм — большие города пожирают маленькие. На месте оставаться опасно, сожрут, поэтому все города движутся. Главное действующее лицо — город Лондон, хищный мегаполис, который питается другими городами.
Здесь, подкованный в техническом плане читатель остановится и попытается представить экономический смысл такого предприятия. Города-танки должны жечь кучу ресурсов, да и ездить они будут еле-еле — кажется, будущее ни в каком виде не должно прийти к тому, чтобы человечество начало жить внутри крепостей с гусеницами.
Но книги Филипа Рива не стоит воспринимать буквально. Писатель и не стремился выстроить правдоподобный мир, его движущиеся города — это в какой-то мере метафора. А муниципальный дарвинизм — доведённая до абсурда концепция социального дарвинизма, когда за выживание борются не люди, а механизированные города.
Но при всей метафоричности, в книге города, действительно, шагают по планете и пожирают тех, кто слабей. Читателю предлагается проявить снисхождение к обоснованности подобного мира и принять его таким, какой он есть.
Возможно, Питер Джексон увидел в этом сюжете задел для франшизы. Филип Рив написал четыре книги про хищные города, можно снять много фильмов, а Джексон как раз умеет делать длинные киносаги. К сожалению, Джексон просчитался — фильм «Хроники хищных городов» стал одним из самых сокрушительных провалов в истории кинематографа, он возглавил список Box-office bombs наряду с «Джоном Картером» и «Одиноким Рейнджером». Убытки достигли 180 миллионов долларов.
Но давайте посмотрим повнимательнее из каких ингредиентов Джексон и его команда построили фильм.
Создание фильма
В качестве режиссёра Джексон пригласил своего давнего коллегу Кристиана Риверса. Риверс работал с Джексоном ещё когда тот снимал малобюджетные фильмы. Их первая совместная работа «Живая мертвечина» — зомби-фильм, впоследствии получивший кучу наград. Риверс отвечал за эффекты во всех крупных проектах Джексона: «Властелин Колец», «Хоббит», «Кинг-Конг». Как раз за отрисовку огромной обезьяны Риверс и получил «Оскар». Хоть «Хроники хищных городов» это режиссёрский дебют Риверса, сложно назвать его начинающим режиссёром.
В книге главные действующие лица — подростки, всё же это жанр young-adult, так называют молодёжную литературу, которая нацелена на аудиторию до 18 лет. Для фильма возраст героев увеличили, Джексон целился во взрослых, которые в своё время увлекались «Хрониками» и теперь захотят посмотреть на любимых героев на экране.
На роль Эстер Шоу пригласили исландскую актрису Геру Хилмарсдоттир. Её семья связана с кино — отец Хилмар Оддссон — режиссёр, а мать Тори Сигторсдоттир — актриса. Кстати, окончание «доттир» означает «дочь», а «сон» — сын. В Исландии принято использовать отчество вместо фамилии. Впрочем, Гера сократила фамилию до Хилмар, чтобы не мучить коллег по съёмочной площадке.
В книге Эстер Шоу — девушка с безобразной внешностью. У неё нет одного глаза, лицо изуродовано. В фильме решили не заходить так далеко и сделали Гере Хилмар шрам на лице, который она постоянно прячет. В начале Эстер никого к себе не подпускает, но со временем учится доверять другим. В фильме этот путь она проделывает уж слишком быстро — но это особенность хронометража, ведь нужно показать изменение героя и отведено на это всего лишь два часа. Задача Эстер — отомстить одному из жителей Лондона.
Работника лондонского музея Тома Нэтсоурти сыграл ирландский актёр Роберт Шиэн. Сегодня в нём легко опознать Клауса Харгривза из сериала «Академия Амбрелла». Но если Клаус — развязный и нагловатый тип, то Том Нэтсоурти — застенчивый и покладистый. Трудно сказать, в каком образе актёр смотрится естественнее, но «Академию Амбрелла» уже продлили на третий сезон. Том влипает в неприятности случайно, он оказывается не в том месте и превращается из лондонца в бездомного.
Звезда фильма — Хьюго Уивинг. Агент Смит из «Матрицы» и эльфийский владыка Элронд из «Властелина Колец», здесь он играет Таддеуса Валентайна, самого важного жителя Лондона. Кстати, в отличие от книги, где Таддеус не командовал городом, в фильме герой Уивинга захватывает власть. Это понятно, актёр такого уровня не должен прозябать на второстепенных позициях. Таддеус озабочен тем, чтобы пробить стену, за которой огородились противники движущихся городов. Ведь за этой стеной много ресурсов, а Лондон давно уже голодает.
В фильме сильнее акцентировали персонаж Шрайка. Это сталкер — так называют воскрешённые трупы, их делали для локальных войн. У сталкеров нет эмоций, они не помнят, кем были в прошлой жизни. Киборги не чувствуют боли и практически неуязвимы, в общем, идеальные машины для войны. Шрайк будет охотиться за Эстер Шоу, ведь у него с ней есть незаконченное дело. Для создания образа Шрайка использовали актёра Стивена Лэнга. Он снялся в хорроре «Не дыши», где сыграл сумасшедшего деда с хриплым голосом — таким же голосом говорит и киборг Шрайк.
Яркий персонаж — Анна Фанг, лидер сопротивления. На эту роль пригласили певицу Джихе из Южной Кореи. У неё пять студийных альбомов, а вот ролей в кино немного. Анна ярко одевается и водит дирижабль «Дженни Ганивер». Фанг будет помогать Тому и Эстер.
Съёмки велись в Новой Зеландии, на студии Stone Street Studios. Все декорации выстроили в павильонах и это удивительно, потому что в фильме совсем не чувствуется отсутствие воздуха. Сказалась и то, что над эффектами работала новозеландская компания Джексона — Weta Digital. Эти специалисты по спецэффектам отрисовали кучу вымышленных миров, в том числе Пандору из «Аватара», им заказывали эффекты к «Круизу по Джунглям» и к новому «Отряду самоубийц». Голлума делали тоже они.
Хищные города прорисованы в подробностях, процесс по их созданию был трудоёмким, но студия справилась. У Weta Digital получилось перенести книжный мир на экран, хоть и в изменённом виде. Это отметил и сам автор «Хроник», он сказал, что несмотря на изменения, фильм и книга — одно и то же.
Над музыкой работал голландец Томас Холкенборг, известный под псевдонимом Junkie XL. Он — один из талантливейших композиторов современности. Томас писал для «Дедпула», «Человека из стали», «Безумного Макса» и многих других крупных фильмов. Для «Хищных городов» композитор задействовал Новозеландский симфонический оркестр, этот же оркестр озвучивал саундтрек к «Властелину колец».
Саундтрек к фильму открывает композиция London Suite In C Major, которая настроением напоминает композицию Bydło Мусоргского из цикла фортепианных пьес «Картинки с выставки». Но если Мусоргский пытался с помощью музыки передать движение телеги на огромных колёсах, то Junkie XL рисует музыкой гигантский, крушащий всё на своём пути механический город. Композиция написана в мажоре, а как иначе, ведь Лондон один из самых благополучных и славных городов.
Заслуживает внимания и композиция Шань Го. Так называется город за каменной стеной, жители которого отказались от огромных механизмов и предпочитают жить по старинке. Именно на штурм этой стены и отправится Лондон под предводительством Таддеуса Валентайна.
Ну и самый мрачный трек — это тема киборга Шрайка. Для нового фильма Джексона, Томас использовал систему лейтмотивов, каждый раз, когда на экране появляется Шрайк, играет жуткая мелодия. Её можно услышать в середине трека.
Муниципальный дарвинизм
Так уж устроена жизнь, что жители крупного хищного города выбегают на главную площадь и хлопают в ладоши от радости, когда их мегаполис пожирает мелкие города — Лондону нужно топливо.
Город этот с историей, у него есть музей, где хранятся фигурки американских богов с головами животных — Микки и Плуто. В фильме их, кстати, поменяли на Миньонов, ведь кино выпустила студия Universal, а не Дисней.
По задумке сценариста Филиппа Бойенса, «Хищные города» — это что-то среднее между «Безумным Максом», «Гарри Поттером» и «Звёздными войнами». Немного вдохновения было почёрпнуто и из мультфильма Хаяо Миядзаки — «Ходячий замок», там тоже огромный дом передвигался по земле. Несмотря на заимствования, у киношников всё же получилось выстроить самостоятельный визуальный ряд, города с узнаваемыми зданиями выглядят любопытно.
Однако, у тех, кто не читал книги Филипа Рива, останется много вопросов. А вот тем, кто читал — смотреть фильм проще. Дело в том, что зная особенности сюжета, недостающие куски самостоятельно всплывают в памяти и затыкают дыры — особенность просмотра многих экранизаций. Для больших вселенных полный метр тесен, это же произошло и с «Хищными городами», фильм буквально не помещается в два часа.
Премьера прошла в Лондоне, на родине писателя. Фильм провалился, франшизы не получилось. К сожалению, некоторым сюжетам предстоит навечно остаться запертыми внутри книг.
Слежу за новинками кино в телеграм канале
Джеймс Бонд любит классику. Симфония Моцарта N 40
За 60 лет в Джеймсе Бонде поменялось многое, но одно осталось неизменным. Неважно, кто исполняет главную роль агента 007 — в фильмах обязательно звучит классическая музыка.
К примеру, в последнем фильме «Спектр» звучат аж два оперных произведения — ария из «Любовного напитка» Доницетти и дуэт из «Травиаты» Верди.
Но давайте вспомним фильм 1987 года «Искры из глаз» (The Living Daylights), где агента играл Тимоти Далтон. Кстати, Шон Коннери, которого многие считают лучшим Бондом, говорил, что Далтон с ролью справился плохо, ведь Бонд должен быть опасным, а Далтон таким не выглядит.
Далтон был Бондом недолго и, похоже, был не особо счастлив в этой роли, хотя и получал большие гонорары.
Съёмочная группа любого фильма о Джеймсе Бонде вынуждена ездить по разным странам — эта франшиза славится резкой сменой локаций. К примеру, «Искры из глаз» начинается на Гибралтаре. Так называется заморская территория Великобритании, половину которой занимает аэропорт. Кстати, это единственное место в Европе, где живут в дикой природе маготы, нагловатые обезьяны. Одну из них можно увидеть в самом начале фильма.
Спустя несколько минут зрителей уже переносят в Восточную Европу. Тут разворачивается первая миссия агента. Бонд вынужденно слушает классический концерт, на сцене играет сороковая симфония Моцарта.
На самом деле, этот фильм наполнен классической музыкой, к тому же подруга Бонда — виолончелистка.
Но давайте остановимся на Моцарте и посмотрим, что это за симфония номер 40, которую, между прочим, заслуженно считают одним из самых узнаваемых классических произведений. Музыка эта, действительно, классная.
Для Моцарта эта симфония стала одним из последних крупных произведений. Любопытно, что большую часть своих симфоний композитор писал в мажоре, а вот сороковая написана в миноре. Неудивительно, что агенты КГБ слушают и грустят.
Симфония состоит из четырёх частей, такая схема встречается часто. Первая часть в симфониях обычно самая популярная. Именно в первой части и звучит самая узнаваемая мелодия симфонии. Такая мелодия, кстати, называется главной партией. Чуть позже к ней присоединяется побочная партия, а дальше композитор начинает играть с ними, всячески их перемешивая — это называется разработка. Заканчивается всё репризой — разгоревшееся в разработке буйство утихает.
Если вы начнёте слушать, то осознаете, что мелодия эта вам безумно знакома.
Кстати, помимо Моцарта в создании саундтрека приняла участие ещё и группа A-ha — их песня звучит на открывающих титрах.
Чехословакию, кстати, снимали в Вене, а концертный зал снаружи — это Венская народная опера, а изнутри — Софийский зал в Вене. Снимать экстерьер и интерьер в одном месте вовсе не обязательно.
А тем, кому интересно послушать альтернативное исполнение Моцарта — предлагаю ознакомиться с версией группы Accept.
Слежу за новинками кино в телеграм канале
Это Глюк
То, как мы видим общую картину классической музыки сегодня, довольно сильно отличается от того, как всё выглядело на самом деле в далёкой исторической реальности. Статус великих и гениальных композиторов имели совсем не те, кого мы сегодня так называем.
К примеру, в 18 веке "великим Бахом" был не Иоганн Себастьян, а его сын Карл Филипп Эммануил.
Имя Моцарта тоже не сияло так ослепительно, как сейчас. В его эпоху главным оперным гением европейского масштаба считался
Кристоф Виллибальд Глюк.
И не только считался, он им и был!
До Глюка опера была всего лишь костюмированным шоу кастратов и примадонн-сопрано. А балет представлял собой что-то вроде маскарадного бала на театральной сцене - просто декоративная последовательность изящных танцев под оркестровый аккомпанемент.
И именно благодаря Глюку в балете сейчас есть сюжет, а в опере музыка прямо выражает человеческие эмоции, и певцы там не только поют, но и играют свои сценические роли.
Глюк был сыном лесника, но продолжать семейное дело не хотел, и в 15 лет, поссорившись с отцом, ушёл из дома. Он хотел быть музыкантом.
Пройдя суровую жизненную школу и закалив в разнообразных испытаниях свой на редкость твёрдый характер, к сорока годам Глюк уже был в статусе прославленного оперного композитора, работы которого имели грандиозный успех.
Имя Глюка было у всех на устах, и к концу жизни Глюк был уже очень богат и знаменит на всю Европу не только как музыкант, но и как идеолог нового искусства.
Он занимал номинальный капельмейстерский пост при дворе, получал большие гонорары и пожизненные пенсии сразу из двух источников (от королевы Франции Марии Антуанетты, и от её матери - австрийской императрицы Марии Терезии).
У него был собственный дом (и не один) и выезд. И статус его был таков, что даже особы царских кровей (например, великий князь Павел Петрович - будущий российский) не гнушались навестить его дома, чтобы справиться о здоровье и поговорить с выдающейся личностью.
Неплохой жизненный финал для сына лесника!
Но как же преходяща человеческая слава. Нет, Глюк с годами не был забыт, но столетия спустя он стал кем-то вроде "свадебного генерала" на празднике классической музыки. Все вроде бы в курсе, что человек заслуженный, но в топе самых исполняемых композиторов его нет.
Почему так получилось - вопрос сложный. Возможно, его музыка просто не вписалась в ритм нового времени. Не исключено также, что он был заслонён более ярким гением его младших современников - Моцарта и Бетховена. Или сыграло роль то, что весь его рукописный архив сгорел в пожаре ещё в начале 19 века.
Во всяком случае из почти полсотни его опер в репертуаре закрепилась лишь одна - "Орфей и Эвридика", с которой этот композитор и ассоциируется уже двести лет, как Огинский со своим Полонезом.
Вот пара известных фрагментов из Глюка, которые непременно стоит послушать, чтобы получить о нём хотя бы самое общее представление.
Танец фурий из балета "Дон Жуан" - злобные фурии тащат Дон Жуана в тартарары под эту яркую музыку.
И невероятно нежная и красивая Мелодия из оперы "Орфей и Эвридика".
Пётр Чайковский стал самым прослушиваемым русским музыкантом на Spotify.В честь этого билборд с ним разместили на Таймс-Сквер в Нью-Йорке
Георгий Свиридов: его музыка соткана из вечного времени, летящего вперёд!
Сегодня исполняется 105 лет со дня рождения знаменитого советского композитора, пианиста Георгия Васильевича Свиридова (1915-1998).
В конце поста - видео, в котором можно увидеть композитора, и как зал приветствует его музыку.
По крайней мере, одно произведение этого композитора знает каждый из нас - эмоциональная, стремительная, запоминающаяся увертюра к кинофильму Михаила Швейцера «Время, вперёд!», которая позднее переросла в целую оркестровую сюиту из шести частей. Она много лет звучала с экранов в качестве позывных информационной программы «Время» на ЦТ (здесь музыка звучала в оригинале) и затем новостных программ на Первом канале (в аранжировке).
Пожалуй, творческую судьбу Свиридова можно в целом назвать счастливой: он сумел сохранить полную внутреннюю свободу и независимость, написать именно ту музыку, которая в нём жила, при этом в полной мере адаптировавшись к политическим и общественным условиям своего времени.
Секрет такой гармоничной жизни, наверное, заключался в характере композитора - интеллигентного, высокообразованного, когда превыше всего он ставил страсть к чистому искусству, реализацию творческих замыслов. Показательным в этом плане является его высказывание в тот момент, когда он узнал о том, что его музыкальную тему сделали позывными выпусков новостей, потом убрали, назвав «слишком тревожной», затем вернули вновь. Начать с того, что Свиридов не смотрел телевизор, а потому сначала даже и не знал, что с экранов каждый день звучат первые 18 тактов его произведения. Когда же «истинные герои» того времени потребовали, чтобы он свою музыку «сделал потише», либо её вновь уберут из программы, Свиридов так охарактеризовал ситуацию: «.. а если сказать откровенно, вообще не придавал этому вопросу большого значения. В жизни моей, как и в жизни и моего поколения, и старшего, было очень много неприятных, обидных, подчас несправедливых оценок, злобных выпадов, запретов, изъятий. Это было хорошей школой терпения и выдержки».
Вот так, оставляя «Кесарю кесарево», Георгий Васильевич создал прекрасные вокальные произведения, особое место среди которых принадлежит романсам, вокальным циклам и кантатам; инструментальные произведения для фортепиано, струнных и симфонического оркестра; написал много музыки к фильмам и спектаклям (популярность музыки к двум фильмам - «Метель» и «Время, вперёд!» - даже превзошла славу самих картин) и две оперетты (или музыкальные комедии). Отдельное место в его творчестве занимает духовная музыка: особенно в последнее десятилетие своей жизни Свиридов постоянно работал над хорами на церковнославянские тексты; некоторые из них вошли в крупный хоровой цикл «Песнопения и молитвы», но большая часть написанного пока не издана и не исполнена.
Георгий Васильевич очень ценил народные корни и поэзию. О втором говорит большое количество произведений, написанных для исполнения солистами или хором. А первое - в каждом его творении. Свиридов гордился тем, что он русский: «Меня спрашивают: какой я? Я русский человек! И дело с концом. (…) я такой, как есть — русский человек. И этим горжусь». И когда в начале творческого пути у молодого композитора сформировался собственный стиль, его главной характеристикой стала русская основа. Родившийся в Курской области, Свиридов много времени посвятил собиранию фольклорного наследия родного края и работе над ним. В итоге появился хоровой цикл «Курские песни», а в музыкальной академической традиции возникло новое направление - «новая фольклорная волна».
Заслуги Свиридова были признаны действовавшей властью: в Советское время композитор был удостоен званий Народного артиста СССР и Народного артиста РСФСР, Героя Социалистического труда, дважды получил Государственную премию СССР, а также Ленинскую и Сталинскую премии; в постсоветский период он также был удостоен ряда государственных наград. При этом, в отличие от многих своих коллег-современников, Георгий Васильевич не был обеспеченным человеком. Например, он не имел своей дачи и жил на государственной, а рояль, стоявший у него дома, арендовал у Союза композиторов.
Вот такая судьба. Самородок, который ещё мальчишкой сам научился играть на балалайке, на вступительных экзаменах в музыкальную школу сыгравший марш собственного сочинения, который затем учился у лучших педагогов своего времени, в том числе у Дмитрия Шостаковича, с которым они стали большими друзьями; энциклопедически образованный и глубоко верующий, преданный своим народным корням, создавал музыку, которая не просто соответствовала духу времени, но и значительно опережала его.
Когда уже упоминавшиеся позывные к программе «Время» в очередной раз были возвращены в эфир, кинорежиссёр М.Швейцер сказал так: «Потому что эта музыка — навсегда. Потому что в ней пульс свободной от политической суеты жизни. В ней время, которое вопреки всем ударам судьбы, историческим катастрофам и непоправимым потерям, продолжается вечно». Лично я помню, насколько современно и вдохновляюще звучала эта музыка на церемонии открытия XXII Зимних Олимпийских игр в Сочи, которые были очень важны для нашей страны.
И сейчас, мы, конечно, послушаем знаменитую 6-ю часть сюиты «Время, вперёд!» в исполнении Государственного академического симфонического оркестра, за дирижёрским пультом Евгений Светланов. В конце исполнения композитор Георгий Васильевич Свиридов выходит на поклон.